Notas Examen y Notas Finales

invitación

El Espacio del Sonido - sábado 24 de noviembre
Encargo del Goethe Institut en el cuadro de “Espacios que suenan” . 60 aniversario del Goethe Institut en Chile. En coproducción con el programa Siglo XX de Radio Beethoven, dirigido por José Oplustil.

La radio, la presencia fantasmal de la música, de la palabra hablada, del sonido en nuestros hogares, ha sido uno de los pilares en los cuales se cimienta buena parte de la música que surge a partir de la mitad del siglo XX. No es casualidad que Stockhausen realice sus primeros trabajos electrónicos en la mítica radio Colonia, ni que Schaeffer haya compuesto sus 5 études de bruits en la radio francesa.

Para esta ocasión, el programa Siglo XX de Radio Beethoven, nuestro ya mítico encuentro habitual con la música contemporánea, realizará una transmisión especial a las 20.00hrs. Esta transmisión, “El Espacio del Sonidoª, estará dedicada a esa presencia, a ese elemento inasible y misterioso que surge del altoparlante de tu radio, computador, lector mp3, walkman o teléfono celular: el sonido. A escuchar absolutamente con audífonos. Trae tu radio o celular y audífonos al Bistro Acusmático del Goethe Institut.

En segunda parte, luego de disfrutar la instalación “Destellos plateados, ojos cegados” de Rodrigo Canela, oiremos “Oplustil Mix”: Obras acusmáticas de Federico Schumacher remezcladas por José Oplustil e interpretadas por Schumacher en nuestro Bistro. Concierto en coproducción con la Escuela de Música de la Universidad Arcis.

Todos cordialmente invitados al Goethe o a escucharla por radio Beethoven.
Saludos

para ver danza...

Compositores Chilenos

NOTA : los audios de los compositores chilenos ya están compartidos en el dropbox con todos ustedes.

Enrique Soro  (1884-1954) : 

• Hijo de José Soro, compositor Italiano radicado en Concepción. 
• Estudia en el Conservatorio de Milán. 
• 1906 : profesor de armonía y contrapunto del Conservatorio Nacional de Música. 
• 1907 : subdirector 
• 1919 : director, profesor de composición y profesor de piano
• Profesor de Dgo. Sta. Cruz y P. H. Allende, entre otros. 
• Uno de los primeros sinfonistas chilenos 
• 1948 : Premio Nacional de Arte 
• AUD.: Danza Fantástica (1905) : Hizo versiones para 4to. Cuerdas y piano, otra para 2 violines, cello y piano a 4 manos, y otra para piano y orq. Originalmente era el 3er mov. de su Suite para Gran Orquesta de Arcos . Grab.: Orq. Sinf de Chile, Victor Tevah, 1953.

Pedro Humberto Allende  (1885-1959):

• Primer “modernista” chileno (nacionalismo musical) 
• 1945 : Premio Nacional de Arte 
• Profesor de música en Liceos de Santiago. 
• 1918-1946 : profesor de armonía y composición en el Conservatorio Nacional de Música 
• Socio fundador de la ANC y primer pdte. (1936-38). 
• AUD.: La Voz de las Calles (1920). Poema sinfónico, usa pregones (vendedores de botellas, frutas, empanadas de horno, mote’ e mei, etc. Grab.: Orq. Sinf de Chile, Victor Tevah, 1985.

Domingo Santa Cruz (1899-1987):

• Músico y abogado, representa la columna vertebral de la institucionalidad cultural chilena de la 1a mitad del s.XX. 
• 1927 : fundó el Conservatorio Bach, cuya definición curricular fue la base del Conservatorio Nacional. 
• 31/12/1929 se fundó en la Universidad de Chile la Facultad de Bellas Artes, y él fue decano desde 1932 (33 años). Con esto, se le dio por primera vez rango universitario a los estudios de música en Chile. 
• 1944: VR Uch., 1948-1951, Rector Subr. 
• 1942 : fue nombrado profesor de composición del Conservatorio. 
• 1951 : Premio Nacional de Arte. 
• AUD.: Preludios Dramáticos op.23 (1946). 1er mov.: Presentimientos (Plácidamente). La más difundida y representativa de su estilo. Grab.: Orq. Sinf de Chile, Victor Tevah, 1974.

Gustavo Becerra-Schmidt (1925-2010

• Uno de los más prolíficos compositores chilenos.(ca. 300)
• 1932: inició estudios en el Conservatorio de Temuco; la termina en el Conservatorio Nacional de Música de Santiago (Licenciatura 1951). 
• Estudia con P.H. Allende y Domingo Santa Cruz. 
• Desde 1942 enseña Composición. compone, enseña, investiga. 
• Desde 1950 visita conservatorios europeos (Italia, Austria, Alemania, Francia y España). Esta experiencia fluye en su trabajo "Crisis de la Enseñanza de la Composición en Occidente" 
• Desde el "Taller 44" (1961), en la Fac.de Ciencias y Artes Musicales y Escénicas de la U. de Chile, contribuye a la formación de toda una generación de creadores y musicólogos. 
• Secretario de la Facultad (1968 - 1970) contribuyó a la Reforma de la U.de Chile. 
• Desde 1971 ejerce como Agregado Cultural de la Embajada de Chile en Bonn (Alemania), hasta el 11 de septiembre de 1973. Destituído y exonerado por la dictadura militar, se asila en la RF Alemana. 
• Enseñó en la Universidad de Oldenburgo desde 1974 hasta 1998. 
• Hasta su muerte ocurrida el 3 de enero de 2010 en la ciudad de Oldenburgo, Alemania, siguió produciendo textos musicológicos y composiciones. 
• 1971 : Premio Nacional de Arte 
• Aud.: Concierto para Flauta y orq. (1957), mov.4. Pasacalle en Ronda Allegro. 1er Premio Festival de Musica Chilena 1958

Roberto Falabella (1926-1958)

• A pesar de la brevedad de su carrera y la parálisis que le recluyó a una silla de ruedas casi toda su vida, produjo algunas de las obras más originales y trascendentes en la historia de la composición chilena, consideradas únicas en su combinación de folclor y modernismo. 
• Dictaba y grababa sus ideas para luego ser transcritas a pautas por un secretario o su esposa 
• Estudió con Alfonso Letelier y Gustavo Becerra. 
• AUD.: Estudios emocionales (1957). Usa material de la Fiesta de La Tirana . GRAB.: Orq. Sinf de Chile, Ludwig Jochum, 1960. 

Alfonso Letelier (1912-1994)

• Estudió en el Conservatorio Nac. De Música, con P.H. Allende. Paralelamente agronomía, titulándose en 1934. 
• Impresionismo, neoclasicismo, dodecafonismo 
• AUD.: Estudios emocionales (1957) 
• 3 veces Decano de Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la U. de Chile (1952-1962), 
• Director de la Revista Musical Chilena (1957) 
• VR U. Ch., en el período de Juan Gómez Millas (1953-1963). 
• Colaboró en la creación de la Escuela Moderna de Música (1940), junto a René Amengual, Juan Orrego Salas y Elena Waiss. 
• 1968 : Premio Nacional de Arte 
• AUD.: Preludios Vegetales op. 36 (1968)-  Libremente lento. Dodecafonismo libre 

Hernán Ramírez (1941)

• Compositor y médico. 
• Estudió con Carlos Botto, Fernando García y Gustavo Becerra.
• Su producción musical consta de música tonal, atonal, serial dodecafónica y aleatoria para los géneros cámara, sinfónico y sinfónico coral. 
• Ha compuesto más de 120 obras. 
• AUD.: Bailarines faciales (1972)- Grupo de percusión Chile, dir.: Guillermo Rifo . Grabación de 1972 

Alejandro Guarello (1951)

• Estudia con Cirilo Vila. 
• Durante 1984 y 1985, permanece en Italia gracias a dos becas del Gobierno Italiano y realiza estudios de perfeccionamiento en Composición con el maestro Franco Donatoni en Roma y Siena, y con el maestro Giacomo Manzoni en Milán. 
• Ha sido pdte. Del Consejo Directivo SCD y director del IMUC 
• AUD.: VETRO (1984) . La obra obtiene el Premio del Conservatorio de París, otorgado por la Accademia Musicale Chigiana de Siena, Italia. Variaciones sobre una primera proposición canónica dodecafónica. 

Edgardo Canton (1963)

• 1986 : ingresa a la Facultad de Artes-Univ. de Chile, estudiando con Juan Lemann, Cirilo Vila y Juan Amenábar entre otros. 
• 1995 : obtuvo beca del gobierno francés para especializarse en música electroacústica en el Conservatorio Edgard Varese de Paris, obteniendo el primer premio de su promoción. 
• nActualmente se encuentra radicado en Chile, desempeñándose como académico de la Universidad de Chile principalmente en las cátedras de música electro acústica y composición. 
• AUD.: Música en espera de su imagen (1993). Se estrena con al OSCH, dir.: Irwin Hoffman en 1995 

Luis Advis (1935-2004)

• Su paso por géneros musicales diversos convirtió a Luis Advis en un compositor de una versatilidad única en la historia de Chile, sólo comparable a la de G. Becerra. 
• Sin haber estudiado jamás en un Conservatorio, y con una formación más ligada a las humanidades (se licenció en Filosofía), Advis fue encontrando su camino musical de un modo casi autodidacta. Su única formación musical metódica la recibió en Santiago con clases particulares de composición junto a Gustavo Becerra. 
• Profesor universitario, fue, además, impulsor de los derechos autorales para los músicos, presidiendo durante 11 años la SCD 
• AUD.: Invitación al Vals (1994). Quinteto para corno y 4 flautas distintas. Usa titulo de la obra de Carl Maria von Weber, a modo de humorada. 

Guillermo Rifo (1945)

• Percusionista, compositor, arreglador, director orquestal y académico. 
• Primer vibrafonista del jazz chileno, gran carrera en música popular, y por 30 años percusionista de la OSCH. 
• 1958: ingresó al Conservatorio para estudiar percusión. 
• Estudia paralelamente con Juan Amenabar y Vioctor Tevah, entr otros. 
• 1992 : Dirección de la Escuela Moderna de Música 
• AUD.: Fejelé (1999). Búsqueda de una sonoridad precolombina. Elementos aleatorios en la interpretación. 

FECHA EXAMEN

Ya se fijó la fecha de examen. Es el viernes 7 de diciembre, a las 14.30 hrs. La comisión es : E. Coloma-N. Gutes.

Working Table sobre "Lo Así Llamado Bello en Música" de G. Becerra.

Pueden acceder a los fotos (YA ESTÁN TODAS LAS FOTOS) de la working table que hicimos, en la siguiente dirección:

http://fotosworkingtables.blogspot.com/2012/10/loa-asi-llamado-bello-en-musica-29-10.html

Clase Abierta : DAVID MIRANDA HARDY

Proyecto Clase Abierta  

Encuentro con DAVID MIRANDA HARDY

JUEVES 25 de octubre, 16:00 hrs.

SALA 701 - Sede Alfonso Letelier Llona

Facultad de Artes - Universidad de Chile

Un recorrido por la experiencia profesional de David Miranda, desde el diseño sonoro para cine (Lucrecia Martel, Matías Bize, Silvio Caiozzi, Francisco Lombardi, etc.) hasta la escritura y producción de proyectos audiovisuales, haciendo énfasis en los aspectos propios a la estética del sonido y audiovisual.

David Miranda (1972) tiene una Licenciatura en Artes de la Universidad de Chile y un MFA en Cine y Artes Mediales de Temple University en Filadelfia, USA donde residió con una beca Fulbright hasta Septiembre de 2012. Ha diseñado sonido para realizadores como Lucrecia Martel, Andrés Woods y Francisco Lombardi y participado como músico en la banda nacional Cangrejo y con el Colectivo de Arte La Vitrina. Su primer cortometraje, Persistence of Memory, fue estrenado en el Festival Internacional de Filadelfia en 2008. Su cortometraje Topo Gigio is Dead ha participado en más de una veintena de certámenes por todo el mundo, incluyendo LA Latino, UNO Port Art Japón, Oaxaca Film Festival en México, Festival de Cine de Viña del Mar y el Festival de Cine de Huelva en España. También ha servido para facilitar conversaciones sobre cine, Derechos Humanos y Segunda Generación en Chile en las Universidades de Yale, Haverford, Delaware y Alberto Hurtado en Chile.

No se lo pierdan!

programa Acousmographe

Pueden bajar el software Acousmographe para notación en música electroacústica,  haciendo click acá.

Notas a la fecha (21-10-2012)

Recordatorio

LES RECUERDO.... que deben traer sus que declaraciones por grupo sin falta el próximo lunes 22 de octubre.

De no haber clases, deben enviar ese documento por email ese mismo día.

saludos

Neoclasicismo

La Huida del Romanticismo:

A comienzos del Siglo XX, los compositores se apartaron de lo subjetivo, de lo grandioso, de la pasión tormentosa romántica.  Buscaron “desarraigar nuestros sentimientos particulares del arte, purificarlo mediante una objetivación ejemplar” (Ortega y Gasset)

Ideas: 

1.- Objetividad : La nueva música aspiraba a ser objetiva y directa . Se buscaba el  arte puro : Los objetos existen, tienen una vida propia, independientemente de la personalidad del compositor, por lo que la música no es la proyección de la imaginación del creador (como plantea el romanticismo).
Las leyes del arte ya no derivarán de la filosofía, la religión, o los sentimientos, sino únicamente de
la naturaleza del material y de los principios que gobiernan la organización formal de este material. Consecuentemente con esto, los compositores se alejarán del problema de la expresión, y se concentrarán el de la organización formal. La nueva objetividad buscará temas menos grandilocuentes que en el romanticismo (temas más sobrios, el recato y la calma).

2.- Primitivismo : El romanticismo y post romanticismo marcan el fin de un mundo que se inicia con al Revolución Francesa y que termina con al 1ª guerra mundial. La sociedad europea a comienzos del siglo XX se encuentra agotada espiritualmente. Había una necesidad de separarse del hiper-refinamiento, y volver a captar la espontaneidad y la libertad de la vida primitiva. Los compositores dieron preferencia a :

• melodías sencillas y de carácter folklórico, que giraban en torno a una nota central y se movían en un ámbito estrecho 
• Armonías en acordes de bloque, con acordes de carácter percusivo 
• Ritmos ostinati 
• Orquestación dura, de sonoridades masivas 
• Inspiración en la música africana, del sudeste europeo, de la rusia asiática y del cercano oriente.

3.- Urbanismo : La Naturaleza, inspiración romántica, será reemplazada por la imaginería de la ciudad.
Con la revolución industrial, la máquina se convirtió en un símbolo de una fuerza que el hombre no comprendía ni controlaba. Al compositor le atrajo su poderío, su movimiento y energía. A este impulso se le llamó “la deshumanización del arte”.  El espíritu urbano halló un campo especialmente fértil en la ópera, que se trasladó desde los escenarios propios de la mitología griega, a los hoteles, night clubs, bares, transatlánticos, etc.

4.- El Humor y la Influencia del Jazz : En contraste con la sublimidad del romanticismo, lo que implicaba una gran seriedad en su música, el compositor neoclásico se orientó hacia la sátira (la nueva armonía disonante se prestaba bien para efectos humorísticos). Combinando la música con el humor y al sátira, los compositores podían expresar la amargura de la post-guerra. El desarrollo del jazz en los primeros años del s.XX, captó la atención de los compositores, atraídos por nuevas concepciones rítmicas y el carácter exótico que en aquella época esta música tenía.

El clasicismo del siglo XX

• El compositor neoclásico buscará en el clasicismo del s. XVIII una música que : 
• aún no acudía a otras artes para acrecentar su dramatismo. 
• no se preocupaba de la expresión personal y de actitudes psicológicas 
• También el barroco tardío, y particularmente la técnica del contrapunto (textura polifónica), fue inspiración en este período (Bach, Händel, Couperin, Vivaldi, Scarlatti) 
• Otros fueron más atrás aún, inspirándose en maestros del renacimiento. 
• Todas estas habían sido músicas no consideradas en el período romántico.

COMPOSITORES

Ígor Stravinski (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Audios:

• Sinfonía en tres movimientos (1942- 45) : Primer Movimiento 
• Agon (ballet, 1957) : Gaillarde - Coda 
• Sinfonía para instrumentos de viento (1920)

Béla Bartók (Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro -actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía-, 25 de marzo de 1881- Nueva York, 26 de septiembre de 1945) fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental. Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología.  La música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el Sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea.

Audios:

• Concierto para piano Nº1 (1926) : 1er mov. (Allegro Moderato)
• Sonata para 2 pianos y percusión (1937) : 3er movimiento (Allegro non tropo)

Paul Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 – Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor y musicólogo alemán. Hindemith es considerado como uno de los músicos alemanes más importantes del siglo XX. Sus primeras obras son todavía de inspiración romántica (como el Cuarteto en do mayor o la Lustige Sinfonietta), y muestran la influencia de Johannes Brahms y de Max Reger; pasó después por una etapa expresionista, similar en su estilo a la del joven Schönberg. Más tarde desarrolló un estilo propio, que algunos consideraron (todavía hoy) de difícil comprensión. Ha sido descrito como neoclasicismo, pero es muy diferente al de las obras de Ígor Stravinski denominadas del mismo modo, estando su estilo mucho más cerca del estilo contrapuntístico barroco de Bach que de la claridad clásica de Mozart.

Audios:

• Sinfonía Mathis der Maler (Matías el Pintor) : Concierto de ángeles - El entierro
  La obra se inspira en la del pintor Matthias Grunewald (1460 – 1528), concretamente, en una serie de intensas pinturas realizadas para el altar de Idenheim. 

Erik Satie, (Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés.1 Precursor del minimalismo, el serialismo y el impresionismo, es considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret. “Hay que ser inconformista hasta el fin” fue la frase que acompañó el desarrollo de su vida.  A pesar de haber sido el patrocinador del tan conocido Grupo de los seis–franceses que reaccionaron contra el impresionismo-, y de haber participado con Darius Milhaud en el proyecto de la llamada “música de mobiliario”, que concebía la creación musical, más que como un objeto artístico, como un elemento decorador, Satie siempre se declaró en contra de las escuelas, y de todo lo que significara academia.

Audios:

• Embryons desséschés : De Podophthalma (piano, 1913) 
• Parade (Ballet, 1916)

Artículo "Lo Así Llamado Bello en Música" de Gustavo Becerra-Schmidt

Siguiendo el link podrán leer el artículo para el siguiente informe de lectura:

• Becerra-Schmidt, Gustavo. Lo Así Llamado Bello en Música. Santiago de Chile: Anales de la Universidad de Chile, 1986.

Plan Clase a Clase RE-ACTUALIZADO (después de la clase del viernes 19 de oct)

Música Aleatoria y Minimalismo

Música Aleatoria

• Se ha definido como música aleatoria a la música que ocupa el azar o alea. El alea es un fenómeno en el que el compositor recurre a la colaboración creativa del intérprete, al que confía algunas tareas de carácter meramente compositivo. 
• La historia del alea comienza en EE.UU. El compositor norteamericano John Cage, quién ya había experimentado exitosamente en la “preparación” del piano para diversas obras (un piano “preparado” es un piano con elementos de resonancia diversa introducidos en sus cuerdas), conoce en 1947 al filósofo japonés Daisetz Teitaro Susuki, quién le muestra el budismo Zen (la inclinación hacia las filosofías orientales tenía un significado político de negación del materialismo capitalista norteamericano). Esto guía a Cage a buscar nuevas formas compositivas. Según sus propias palabras, la nueva misión del compositor será “descubrir los medios que consienten a los sonidos llegar a ser ellos mismos en vez de vehículos de teorías humanas o expresiones de sentimientos propios del hombre”. Buscando esta desvinculación, introduce en el proceso composicional el concepto de indeterminación.

John Cage (1912-1992)

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de post guerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX.
Entre sus maestros estuvo Arnold Schoenberg (1933–35), pero la principal influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas orientales. A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a finales de los años 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que comenzó a componer en 1951. El I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto de su vida. Uno de sus artículos defendiendo esta postura, termian con su famosa frase “no tengo nada que decir, y lo estoy diciendo”.

Audiciones:

• 4'33'' (1952, piano solo, interpreta David Tudor)
• Waterwalk (1948, varios instrumentos, interpreta John Cage)
• Aria (1958, voces, interpreta Theatre of Voices)
• ORGAN²/ASLSP (para órgano): 
• Sitio del Proyecto (en alemán) : http://www.aslsp.org/
• Wiki con datos de la obra (en español) 

Morton Feldman (12 de enero de 1926 – 3 de sept. de 1987)

• Toda su biografía acá
• Projection 4 (1952, para violín y piano)

Earl Brown (26 de diciembre de 1926 –, 2 de julio de 2002)

• Toda su biografía acá
• December 52 (1952, para piano)

Música minimalista

El Minimalismo es un estilo de composición de finales del siglo XX que se conoce también como música de sistemas, música de proceso o música repetitiva. un material “austero” a menudo diatónico y con un pulso regular, se repite durante extensos periodos de tiempo, con mínimas variaciones. El estilo se caracteriza principalmente por armonías sencillas, que permiten el desplazamiento de pequeñas células repetitivas, las que varían muy sutilmente o se mantienen estables.

El minimalismo nació en Estados Unidos. Los antecedentes más importantes no son occidentales:

• la improvisación hindú, 
• el gamelán de Bali 
• las percusiones africanas. 

El minimalismo fue una reacción contra la gran complejidad intelectual de la música de la post-guerra, complejidad que se había instaurado como dominante en Europa y también en EE.UU..

Philip Glass (1937 - …)

Compositor estadounidense, pionero de la música minimalista.
Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; ocho sinfonías; dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, timpani, y saxofón.
A los 19 años entró a la Juilliard School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empezó a tocar casi exclusivamente el piano. Dada su insatisfacción, desde 1963 hasta 1965 partió a estudiar a París, con Nadia Boulanger. Glass descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo «ninguna emoción».
Glass viajó en 1966 al norte de la India, principalmente por razones religiosas, donde entró en contacto con los refugiados tibetanos. Fue su trabajo con Ravi Shankar y su percepción del ritmo aditivo en la música india, lo que le condujo a su singular estilo.

• II. Floe (1981,  para 2fl, 2 ssx, 2 tsx, 2hn, syn,  de la obra "Glassworks")

Steve Reich (1936 - …)

Compositor norteamericano, pionero del minimalismo
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.

• Muestra de “Piano Phase” (1967, versión para 1 `pianista, interpreta Peter Aidu)

John Adams (1947 - …)

Compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.
Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, ópera, vídeo, película, y danza, así como música electrónica e instrumental. Composiciones suyas como Harmonium, Harmonielehre, Shaker Loops y The Chairman Dances están entre las más conocidas y frecuentemente interpretadas de la música contemporánea estadounidense. En estas obras ha llevado el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y dramático acercamiento a las formas musicales.

• Shaker Loops , extracto (1er mov., 1978)

Arvo Part (1935 - …)

Arvo Pärt es un compositor estonio. Nació el 11 de septiembre de 1935 en Paide (Estonia). Se le identifica con la música minimalista y más específicamente como pionero del «minimalismo sacro».
nLa obra de Pärt generalmente se divide en dos periodos.

• Sus primeros trabajos partieron de un neoclasicismo bastante severo (influido por Shostakóvich, Serguéi Prokófiev y Bela Bártok). Luego empezó a componer usando el dodecafonismo y el serialismo de Arnold Schoenberg. Sin embargo, esto no sólo atrajo la ira de los burócratas culturales soviéticos, sino también demostró ser un callejón creativo sin salida. Pärt experimentó una profunda crisis personal. 
• Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto gregoriano y las primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento. Al mismo tiempo comenzó a explorar la religión y se unió a la rígida Iglesia ortodoxa rusa. La música que produjo en esta época fue radicalmente diferente. Pärt la describe como “tintineante” (tintinnabular) como el tañir de campanas. La música se caracterizaba por armonías simples, frecuentemente notas sueltas sin adornos, o acordes triádicos (los cuales formaron la base de la armonía occidental). Hay alguna reminiscencia al sonido de las campanas (de allí el nombre). Los tintinábulos son rítmicamente simples y no cambian el tempo. Es clara la influencia de la música antigua en estas obras.

• Fur Alina (1976) 
• Cantus In Memory Of Benjamin Britten (1977)

Robert Frip (1946 - …)

Robert Fripp se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson, También famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.
Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes del rock de vanguardia, desarrollando un virtuosismo propio, técnico, superior e innovador que es notable respecto a sus contemporáneos colegas guitarristas de cualquier otra banda.

Brian Eno (1948 - …)

compositor de música electrónica y experimental que empezó tocando con Roxy Music. Tras abandonar el grupo comenzó una carrera en solitario y, en conjunto con Robert Fripp, editan en 1978 Before and after Science, que sería el antecedente más sobresaliente, partiendo del art rock para su aporte más importante a la denominada música ambient y a todo tipo de experimentos de vanguardia. El propio término «música ambient» se acuñó a partir de su serie de álbumes inspirados en el muzak, entre ellos Music for Airports, The Plateaux of Mirror, Day of Radiance y On Land.

• Wind on water (del disco Evening Star, 1975)

Vayan al Festival de Música Electroacústica AI-MAAKO 2012 (es gratis!)

Este viernes 12, sab. 13 y dgo, 14, 2 conciertos diarios en el GAM, 20:00 y 21:30 hrs.  Una veintena de parlantes rodeando al público. Imperdible!! GRATIS!!!

el link con toda la info:
www.aimaako.cl

saludos
JM

Suspensión clase de viernes5 de octubre

Debido a una entrevista que realizará ARTV a los artistas que estuvimos vinculados al reciente estreno del Banch el próximo viernes 5 de octubre  a las 14.30 hrs., se supende la clase de MÚSICA II de ese día. La muestra programada en nuestra planificación para esa sesión, se corre para el día LUNES 8 de octubre. En clases, veremos juntos posibilidades horarias para la recuperación de la clase.

saludos
José Miguel Candela

Siglo XX : Expresionismo - Atonalismo - Dodecafonismo - Serialismo Integral

EXPRESIONISMO

• El expresionismo fue la respuesta alemana al impresionismo francés. Allí donde el genio latino buscaba luminosas impresiones recibidas del mundo exterior, el germánico ahondaba hacia las regiones ocultas del alma. 
• En Viena, donde Sigmund Freud desarrolló las teorías del psicoanálisis, los artistas trataban de captar para el arte el sombrío terreno del inconsciente. El expresionismo fijó la experiencia interior como única realidad. 
• Dentro de un marco perteneciente al siglo XX, el expresionismo conservó ciertas actitudes herederas del siglo XIX. : 
• Recogió el amor romántico por los efectos avasalladores y las emociones exacerbadas, por lo extraño, lo macabro y lo grotesco. 
• Su violencia era la violencia de un mundo avasallado, que se volvía al inconsciente y lo irracional en su huida de una realidad que ya no podía controlar ni comprender. 
• Como en el caso del impresionismo, el impulso para el movimiento expresionista provino de la pintura y de la poesía

EJEMPLOS:

Oskar Kokoschka, drama "Asesino, Esperanza de las Mujeres" (1907) :

Sinopsis: el Hombre con armadura, herido, pálido, llega liderando su cansada horda de hombres hasta la torre de la Mujer, quien entre sus asustadas mujeres lo recibe orgullosa. El Hombre ordena que sea marcada con su hierro, tras lo cual la Mujer logra herir con un cuchillo al Hombre, quien cae entre convulsiones. Los hombres aprovechan para encerrarle en una jaula, dejándole en compañía de la Mujer quien se arrastra a su alrededor y se agarra a sus barrotes; parten a divertirse con la mujeres. Mientras La Mujer le va torturando y provocando, el Hombre va recobrando sus fuerzas. Ella flaquea. El Hombre, repuesto, abre la puerta de su jaula, toca con sus dedos a la Mujer hiridéndola de muerte y se dirige hacia el grupo de hombres y mujeres, dejando tras de sí un reguero de sangre y fuego.

escultura de E. Barlach

"El Grito", 1893, E. Munch

Música atonal

• La música expresionista alcanzó su apogeo en el periodo de entre - guerras y fue principalmente atonal. Es decir, negaba la tonalidad usada en Europa desde el Renacimiento. 
• La disonancia que resuelve en la consonancia es, simbólicamente un acto optimista, que afirma el triunfo del reposo sobre la tensión, del orden sobre el caos La música atonal aparece, significativamente, en un momento de la cultura europea en que la fe en el triunfo se hallaba penosamente conmocionada. 
• El atonalismo bucó negar las leyes de la tonalidad. Schoenberg quería así liberar a las notas de la jerarquía tonal. La consonancia se había vuelto burda, obvia, y según Sch., ya no tenía utilidad para el arte. Se optó por la disonancia, la tensión constante, recurso que era muy útil para los fines expresionistas. 
• Esto obviamente, como nuevo lenguaje, distanció a la música del público. Sin embargo, Sch. sostenía al respecto que si es arte, no es para todos, y si es para todos, no es arte. El compositor buscará ser reconocido en el futuro, cuando los hitos auditivos hayan evolucionado. Luego de un período de exploraciones atonales, Sch. formuló un método de organización atonal, que garantizara la independencia de la tonalidad para siempre: el Método Dodecafónico

Método dodecafónico

• Una composición dodecafónica se basa en una disposición arbitraria de los 12 sonidos que se denomina serie. Cabe destacar que existen 12! series, o sea 12x11x10x9...x2x1, que vienen siendo. 479.001.600 series. 
• Esta serie es la idea unificadora de la composición , y será de posesión exclusiva 
• Ninguna nota se puede repetir en la serie, pues la repetición hace que la nota repetida sea más importante que las otras, y esto es sinónimo de tonalidad. 
• Las notas de la serie se pueden tocar en cualquier altura, por lo que se dice que existen clases de altura. 
• Existen 4 formas en que puede aparecer la serie de 12 sonidos: la fundamental (los 12 sonidos como fueron concebidos), la retrogradación , la inversión y la inversión retrogradada 
• Formalmente, debe aparecer primero la serie fundamental 2 veces, a modo de exposición, y luego las otras variaciones. 
• en lo posible se evitan las relaciones melódicas de tipo tonal (para lo cual se ocupan las clases de alturas). Elimina repeticiones, cadencias, y frases del estilo tonal. Ninguna idea se repite. Schoenberg decía a sus alumnos que nunca hicieran lo que un copista podría hacer en su lugar.

AUDICIONES:

• Arnold Schoenberg : Un Sobreviviente de Varsovia op.46 (1948)
• Anton Webern (1883-1945) : de sus 5 piezas op. 10, mov. IV. (1911-1913)
• Alban Berg (1885 - 1935) : Fragmento de la ópera Wozzeck op. 7 (1914 -1921) 
• Argumento: Relata la historia de Franz Wozzeck, un antiguo soldado que ha tenido un hijo con Marie, una antigua prostituta. Sirve de cobaya a los experimentos de un médico y es víctima de alucinaciones que lo distancian de Marie. Wozzeck descubre pronto que esta última le es infiel; sigue un desenlace dramático. 
• Acto 1 Esc 2: Wozzeck y Andres están cortando la maleza al atardecer. Wozzeck tiene visiones estremecedoras y Andres intenta calmarlo sin éxito. 
• Acto 1 Esc.3: Los militares desfilan bajo la ventana de Marie. Margret riñe a Marie por flirtear con los soldados. Marie cierra la ventana y canta una nana a su hijo. Luego llega Wozzeck viene y le habla de sus terribles visiones. 

SERIALISMO INTEGRAL

• En el siglo XX se produce por primera vez en la historia la simultaneidad de diversas y dispares tendencias musicales, coexistiendo: neoclasicismo, futurismo, post romanticismo, expresionismo, atonalismo, dodecafonismo, serialismo, etc., todas ellas formando parte de las denominadas Vanguardias Artísticas. Pero toda esta actividad se vio interrumpida con la llegada al poder del nacional-socialista Hitler en 1933. Los compositores experimentalistas fueron prohibidos por el 3er Reich. Durante la segunda guerra mundial la música en Europa sufrió un duro golpe, los compositores más relevantes emigraban principalmente a Estados Unidos y se creó un enorme vacío en la vida cultural europea. 
• Tras la guerra, se intentó reconstruir la vida musical en Alemania. La Escuela de Darmstadt prosiguió a la 2a Escuela de Viena, y tuvo como sede el Instituto Kranischtein, fundado en 1946; en este lugar se buscó reconstruir la música alemana después del período nazi. El Instituto se convirtió en un centro en el que los jóvenes compositores alemanes pudiesen estudiar la música moderna marginada durante más de 10 años. 
• En 1948, se admitieron por 1a vez en los cursos a estudiantes extranjeros. Allí se dieron cita compositores como Oliver Messiaen y René Leibowitz entre otros, que llevaron a Darmstadt la técnica del seralismo integral. A partir de entonces fueron muchos los compositores que acudieron a Darmstadt: Luigi Nono, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, etc. En principio se trabajaba con la técnica serial y posteriormente también con música aleatoria.

Olivier Messiaen (1908-1992)

Compositor, organista, ornitólogo. Duarnte la 2a guerra mundial, Messiaen fue hecho prisionero de guerra por los nazis, y mientras estaba encarcelado compuso su «Quatuor pour la fin du temps» para los cuatro instrumentos disponibles allí: piano, violín, violonchelo y clarinete. La obra fue estrenada por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y vigilantes. Al salir de prisión en 1941, Messiaen fue nombrado profesor de armonía, y luego profesor de composición en 1966 en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978. Entre sus alumnos se encuentran Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, Pierre Boulez, entre otros.

Su estilo :

• Rítmicamente complejo (interés en los ritmos de la antigua Grecia y de orígen hindú), utilizaba a menudo ritmos no retrogradables 
• Uso de los modos de transposición limitada, (su innovación) 
• experimentó con el serialismo integral, en cuyo campo es citado a menudo como un innovador 
• Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música. 
• Gran parte de su obra tiene una profunda inspiración religiosa.

Modos de transposición limitada:

AUDICIONES:

• Quatre Études de Rythme (1949-1950)
  II. Mode de valeurs et d'intensités
• Sinfonía Turangalîla (1946-1948) 
5to movimiento
Orquesta Nacional Juvenil de Gran Bretaña.
Es considerada una de las obras maestras de la música clásica del siglo XX, siendo muy interpretada y grabada. La obra cuenta con diez movimientos que se tocan sin interrupción a lo largo de sus aproximadamente ochenta minutos de duración.

Luigi Nono (1924-1990)

Estudia en el conservatorio de Venecia, donde conoce el serialismo dodecafónico. 

De 1950 a 1960, Nono participó en los Cursos Internacionales de Verano de Música Contemporánea en Darmstadt.  Durante casi toda su vida, su obra se caracterizó por tener una fuerte carga política, en particular, la lucha contra el fascismo (es miembro desde 1952 del PCI). Como revolucionario, evitó los géneros tradicionales de concierto y prefirió la ópera y la música electrónica.
En su último período, trabaja con el silencio como elemento estético/político y una frase en particular: «No hay caminos, hay que caminar», leída por el compositor en una pared de un edificio en Toledo. Ésta frase da título o aparece en varias de sus últimas obras.

En su música recurre con frecuencia a textos políticos en sus obras. Ej.:

• Su obra Il canto sospeso se elaboró con las cartas de víctimas de la opresión durante la 2a Guerra Mundial (http://www.mynetcologne.de/~nc-muehlemo/nono/kurs_spanisch.htm) 
• La fabbrica illuminata (1964), para soprano, coro y cinta magnética, que denuncia las pésimas condiciones de los obreros en las fábricas de aquellos años, en particular de la "ItalSider" de Génova donde el propio Nono grabó en su banda magnética los ruidos de las máquinas que usó en para la composición de la pieza;

AUDICION:

¿Donde estás, hermano?, para 2 sopranos, una mezzo-soprano y una contralto (1982)
en honor a los detenidos desaparecidos en Argentina y al movimiento Madres de la Plaza de Mayo.

Pierre Boulez (1925 - ...)

• Compositor, pedagogo y director de orquesta francés. Ingresa en 1944 a las clases de armonía de Olivier Messiaen en el Conservatorio de París. Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano (serialismo integral), influido por Messiaen, estética de la cual sería uno de sus más grandes representantes. Fue un precursor de la música electroacústica. Desde 1950 ha experimentado con la música aleatoria, manteniendo una notable correspondencia con John Cage. 
• Boulez a menudo retoma obras de su repertorio para su revisión: la última de sus tres sonatas para piano, por ejemplo, es una obra «abierta» que ha estado en continua revisión desde su estreno en 1957 —sólo se han publicado dos de sus cinco movimientos—. 
• En 1970, el presidente francés Georges Pompidou invitó a Boulez a crear y dirigir una institución para la exploración y desarrollo de la música moderna, dando lugar al IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), del que Boulez fue director hasta 1992. En 2005 todavía tenía una oficina en el IRCAM. 
• A parte de su labor como compositor, Boulez es un reconocido director de orquesta, especializado en obras de autores de la primera mitad del siglo XX como Maurice Ravel, Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Anton Webern, etc..

AUDICION:

Notations VII, para orquesta (1999)
Pierre Boulez, director · Berliner Philharmoniker
Fragmento

Karlheinz Stockhausen (1928-2007)

• A los 13 años, su madre es asesinada, víctima de la política nazi de «eutanasia para los individuos no productivos». En febrero de 1945 se reunió por última vez con su padre en Altenberg, el cual se despidió de Stockhausen premonitoriamente, antes de ser enviado a luchar al frente este, del que no volvería. 
• De 1947 a 1951 Stockhausen estudió piano y pedagogía musical en el Conservatorio Superior de Colonia. En 1951 Stockhausen se matriculó en los cursos de verano de Darmstadt. Asistió allí además a ciclos de conciertos que cambiarían su concepción de la música, como el famoso estudio de piano “Modo de valores e intensidades” de Messiaen, que le decidió a trasladarse a París, para asistir al curso de análisis y estética con el maestro francés. Con él se familiarizó con la técnica del serialismo. 
• En 1962 Stockhausen sucedió a Eimert como director del Estudio de Música Electróacustica de la Radio Oeste de Colonia. 
• Stockhausen compuso 362 obras, todas ellas grabadas y recogidas en 139 CD.

AUDICION:

Helikopter-Streichquartett [«Cuarteto para cuerdas y helicóptero»], 1993.
Los cuatro miembros de un cuarteto de cuerdas tocan en 4 helicópteros que vuelan independientemente sobre las cercanías de la sala de concierto. La música de los intérpretes es mezclada con el sonido de los helicópteros y reproducida mediante altavoces a la audiencia de la sala. Vídeos de la performance son también transmitidos a la sala de concierto. Los intérpretes están sincronizados con la ayuda de un metrónomo electrónico.

Artículo para informe de lectura

Queiridos alumnos

este es el link para bajar el artículo para el inform de lectura :

http://www.revistamusicalchilena.uchile.cl/index.php/RMCH/article/viewFile/13436/13707

saludos
JMC

Actualización Plan Clase a Clase

Acá va la actualización post- paro. Por favor, quienes no me han entregado en digital las 10 declaraciones, que lo hagan antes del lunes 24 de septiembre.

Felices fiestas!

Música Electroacústica

Antecedentes : Manifiesto futurista - El Arte de los ruidos (Luigi Russolo, 1913) :
“El arte musical buscó y obtuvo en primer lugar la pureza y la dulzura del sonido, luego amalgamó sonidos diferentes, preocupándose sin embargo de acariciar el oído con suaves armonías. Hoy el arte musical, complicándose paulatinamente, persigue amalgamar los sonidos más disonantes, más extraños y más ásperos para el oído. Nos acercamos así cada vez más al sonido-ruido. (...)Hay que romper este círculo restringido de sonidos puros y conquistar la variedad infinita de los sonidos-ruidos (…) Para convencerse de la sorprendente variedad de ruidos basta con pensar en el fragor del trueno, en los silbidos del viento, en el borboteo de una cascada, (…) , el rugido de los motores que bufan y pulsan con una animalidad indiscutible, el palpitar de las válvulas, el vaivén de los pistones, (…)

Todo el manifiesto acá.

ACLARACIÓN: este Manifiesto NO es el Manifiesto Futurista de 1908 escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti, que muestra cómo parte de la vanguardia intelectual intaliana habría contribuido al nacimiento del fascismo.

Antecedentes - Búsquedas Individuales:

• Ottorino Respighi : uso de grabación de un ruiseñor en “Los Pinos de Roma” (1924), (escuchar el min. 6, 3er mov.)
• John Cage: uso de grabación de tonos de testeo en Imaginary Landscape no. 1 (1939),
• Uso del Theremin desde 1919
• ej.: Fantasie for Theremin, oboe, piano, and string quartet (1944) - B. Martinu 1890-1959).
• Uso de las Ondes Martenot desde 1928.
• ej.: Sinfonía Turangalila (1949), Olivier Messiaen (Fr. 1908-1992) (desde min.,2.00)
• Orquestación : piano , ondas Martenot, 1picc., 2 fl., 2 ob., 1cor.i., 2 cl., 1cl.b, 3 fag., 4 cor.fr., 3 tr., 1 tr. en D, 3 tromb., 1 tuba; de 8 a 11 perc.: vibr., glockenspiels, triang., temple blocks, wood block, cimb.(crash y 3 tipos de suspendidos), tam tam, caja, maracas,, bombo, y campanas tubulares, celesta, y cuerdas (32 violines, 14 violas, 12 cellos y 10 contrabajos).

Música Concreta:La música concreta se refiere a la música fijada sobre soporte, que se construye en base a la grabación de sondos y su manipulación electrónica.

“Dos escuelas se oponen en música concreta : una, la de un empirismo constructivo, está escencialmente ligada al oído instintivo; la otra, (...) consiste en aplicar a la materia concreta esquemas preconcebidos arbitrariamente, y en esperarlo todo del proceso automático que conduce entonces del esquema al resultado” (“Que es la música concreta?”, Pierre Shaeffer, Ed. Nueva Visión, Bs.As.)

El compositor y teórico francés Pierre Schaeffer está reconocido como el originador de la llamada musique concrete con Cinq études de bruits. Los trabajos fueron presentados en un concierto ofrecido el 5 de octubre de 1948 en París :

• Pierre Schaeffer (1910-1995): Etude aux chemins de fer

Elektronische Musik

En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De esta manera, la Elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, abrió en los estudios de la radio de la NWDR en 1953. Ideado por Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director), pronto se unieron al estudio Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig

• Herbert Eimer (1897-1972) : Klangstudie II (1952).
• Karlheinz Stockhausen (1928-2007) : Gesang der Junglinge (Canto de los jóvenes) (1955-56)

El término "acúsmatica"

El término "acúsmatica" fue propuesto por primera vez en los años 1950 por Jerome Peignot, escritor francés que frecuentaba el "grupo de música concreta". Posteriormente fue adaptado y combinado por François Bayle en 1972, dando lugar al uso del término "música acusmática".

"Akousma" en griego significa "percepción auditiva". Pitágoras enseñaba de manera acusmática, oralmente, poniendo a sus discípulos detrás de una tela para que no vieran ni se distrayeran con los gestos del profesor. Pitágoras rechazaba así toda información visual. Esto implicaba una atención perfecta de sus alumnos, quienes tenían como única fuente de aprendizaje las palabras de su maestro.

• François Bayle : De Trois portraits d’un Oiseau-Qui-N’existe-Pas (1963, "3 retratos de un pájaro que no existe"), la tercera parte , L'oiseau chanteur ("el pájaro cantor")

Música Mixta e Interpretación en Vivo.La combinación de instrumentos tradicionales con medios como cinta magneto fónica o medios, artefactos electrónicos, tratamiento de señal en vivo, vídeo, etc... es considerada música mixta. En estas composiciones el intérprete es guiado por un mecanismo que mantiene el tempo y que puede ser un reloj o una pista con marcas. En el caso contrario, algún mecanismo escucha la interpretación y va ajustando, dinámicas, tempo y en algunos casos contextos y armonías.

• Raul Minsburg (Argentina) : El Paso del Viento, para Flauta y sonidos electrónicos

Más ejemplos :

• Música de Federico Schumacher (Chile) en www.federicoschumacher.cl
• CD triple 50 años de Música Electroacústica en Chile (2006)
• Cd triple con toda la obra de José Vicente Asuar, pionero de la Mus. el. chilena.
• Cd Triple con toda la obra sobre soporte de Gustavo Becerra Schmidt.
• Cds de vuestro profe :
• CD "Ciclo Electroacústico Salvador Allende Gossens" (2009)
• CD "TTK - 81 micropiezas para saxofón y electroacústica" (2008)

Escritos muy interesantes sobre música electroacústica:

• La Música Electroacústica en Chile (pdf), documento con detallada historia de la Mus. El. en nuestro país, desarrollado por Federico Schumacher
• artículo "La Música Electroacústica en América Latina" (pdf) de Federico Schumacher
• "La Música Electroacústica", interesante sitio elaborado por el compositor chileno Rodrigo Cádiz

disfruten!