Música Aleatoria y Minimalismo

Música Aleatoria

• Se ha definido como música aleatoria a la música que ocupa el azar o alea. El alea es un fenómeno en el que el compositor recurre a la colaboración creativa del intérprete, al que confía algunas tareas de carácter meramente compositivo. 
• La historia del alea comienza en EE.UU. El compositor norteamericano John Cage, quién ya había experimentado exitosamente en la “preparación” del piano para diversas obras (un piano “preparado” es un piano con elementos de resonancia diversa introducidos en sus cuerdas), conoce en 1947 al filósofo japonés Daisetz Teitaro Susuki, quién le muestra el budismo Zen (la inclinación hacia las filosofías orientales tenía un significado político de negación del materialismo capitalista norteamericano). Esto guía a Cage a buscar nuevas formas compositivas. Según sus propias palabras, la nueva misión del compositor será “descubrir los medios que consienten a los sonidos llegar a ser ellos mismos en vez de vehículos de teorías humanas o expresiones de sentimientos propios del hombre”. Buscando esta desvinculación, introduce en el proceso composicional el concepto de indeterminación.

John Cage (1912-1992)

Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de post guerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX.
Entre sus maestros estuvo Arnold Schoenberg (1933–35), pero la principal influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas orientales. A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a finales de los años 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que comenzó a componer en 1951. El I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto de su vida. Uno de sus artículos defendiendo esta postura, termian con su famosa frase “no tengo nada que decir, y lo estoy diciendo”.

Audiciones:

• 4'33'' (1952, piano solo, interpreta David Tudor)
• Waterwalk (1948, varios instrumentos, interpreta John Cage)
• Aria (1958, voces, interpreta Theatre of Voices)
• ORGAN²/ASLSP (para órgano): 
• Sitio del Proyecto (en alemán) : http://www.aslsp.org/
• Wiki con datos de la obra (en español) 

Morton Feldman (12 de enero de 1926 – 3 de sept. de 1987)

• Toda su biografía acá
• Projection 4 (1952, para violín y piano)

Earl Brown (26 de diciembre de 1926 –, 2 de julio de 2002)

• Toda su biografía acá
• December 52 (1952, para piano)

Música minimalista

El Minimalismo es un estilo de composición de finales del siglo XX que se conoce también como música de sistemas, música de proceso o música repetitiva. un material “austero” a menudo diatónico y con un pulso regular, se repite durante extensos periodos de tiempo, con mínimas variaciones. El estilo se caracteriza principalmente por armonías sencillas, que permiten el desplazamiento de pequeñas células repetitivas, las que varían muy sutilmente o se mantienen estables.

El minimalismo nació en Estados Unidos. Los antecedentes más importantes no son occidentales:

• la improvisación hindú, 
• el gamelán de Bali 
• las percusiones africanas. 

El minimalismo fue una reacción contra la gran complejidad intelectual de la música de la post-guerra, complejidad que se había instaurado como dominante en Europa y también en EE.UU..

Philip Glass (1937 - …)

Compositor estadounidense, pionero de la música minimalista.
Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; ocho sinfonías; dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, timpani, y saxofón.
A los 19 años entró a la Juilliard School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empezó a tocar casi exclusivamente el piano. Dada su insatisfacción, desde 1963 hasta 1965 partió a estudiar a París, con Nadia Boulanger. Glass descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo «ninguna emoción».
Glass viajó en 1966 al norte de la India, principalmente por razones religiosas, donde entró en contacto con los refugiados tibetanos. Fue su trabajo con Ravi Shankar y su percepción del ritmo aditivo en la música india, lo que le condujo a su singular estilo.

• II. Floe (1981,  para 2fl, 2 ssx, 2 tsx, 2hn, syn,  de la obra "Glassworks")

Steve Reich (1936 - …)

Compositor norteamericano, pionero del minimalismo
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.

• Muestra de “Piano Phase” (1967, versión para 1 `pianista, interpreta Peter Aidu)

John Adams (1947 - …)

Compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.
Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, ópera, vídeo, película, y danza, así como música electrónica e instrumental. Composiciones suyas como Harmonium, Harmonielehre, Shaker Loops y The Chairman Dances están entre las más conocidas y frecuentemente interpretadas de la música contemporánea estadounidense. En estas obras ha llevado el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y dramático acercamiento a las formas musicales.

• Shaker Loops , extracto (1er mov., 1978)

Arvo Part (1935 - …)

Arvo Pärt es un compositor estonio. Nació el 11 de septiembre de 1935 en Paide (Estonia). Se le identifica con la música minimalista y más específicamente como pionero del «minimalismo sacro».
nLa obra de Pärt generalmente se divide en dos periodos.

• Sus primeros trabajos partieron de un neoclasicismo bastante severo (influido por Shostakóvich, Serguéi Prokófiev y Bela Bártok). Luego empezó a componer usando el dodecafonismo y el serialismo de Arnold Schoenberg. Sin embargo, esto no sólo atrajo la ira de los burócratas culturales soviéticos, sino también demostró ser un callejón creativo sin salida. Pärt experimentó una profunda crisis personal. 
• Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto gregoriano y las primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento. Al mismo tiempo comenzó a explorar la religión y se unió a la rígida Iglesia ortodoxa rusa. La música que produjo en esta época fue radicalmente diferente. Pärt la describe como “tintineante” (tintinnabular) como el tañir de campanas. La música se caracterizaba por armonías simples, frecuentemente notas sueltas sin adornos, o acordes triádicos (los cuales formaron la base de la armonía occidental). Hay alguna reminiscencia al sonido de las campanas (de allí el nombre). Los tintinábulos son rítmicamente simples y no cambian el tempo. Es clara la influencia de la música antigua en estas obras.

• Fur Alina (1976) 
• Cantus In Memory Of Benjamin Britten (1977)

Robert Frip (1946 - …)

Robert Fripp se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson, También famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.
Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes del rock de vanguardia, desarrollando un virtuosismo propio, técnico, superior e innovador que es notable respecto a sus contemporáneos colegas guitarristas de cualquier otra banda.

Brian Eno (1948 - …)

compositor de música electrónica y experimental que empezó tocando con Roxy Music. Tras abandonar el grupo comenzó una carrera en solitario y, en conjunto con Robert Fripp, editan en 1978 Before and after Science, que sería el antecedente más sobresaliente, partiendo del art rock para su aporte más importante a la denominada música ambient y a todo tipo de experimentos de vanguardia. El propio término «música ambient» se acuñó a partir de su serie de álbumes inspirados en el muzak, entre ellos Music for Airports, The Plateaux of Mirror, Day of Radiance y On Land.

• Wind on water (del disco Evening Star, 1975)